En la muestra “Comunalidad: Prácticas Decoloniales”, quince artistas emergentes abren una ventana sensible al territorio, con obras que atraviesan temas como la salud mental, la identidad, el deseo, el ambiente y la memoria. El paisaje deja de ser un decorado para volverse cuerpo, historia y pregunta. Una exposición que no se observa: se experimenta.
Ingresar al Centro Cultural Santa Cruz es, por estos días, como cruzar un portal hacia otra manera de sentir el arte. No solo por la disposición espacial de la muestra —parte del programa Pulso Creativo impulsado por la Secretaría de Estado de Cultura—, sino por la energía que irradian las obras: una mezcla de color, técnica y emoción que rompe con lo tradicional y propone una experiencia viva. Hay movimiento, hay cuerpo, hay alma. Recorrerla es asomarse al futuro del arte santacruceño.
Para quienes conocen este espacio, el cambio se percibe de inmediato. Los paisajes patagónicos y los tonos tierra, tan arraigados en la estética regional, ceden su lugar a una paleta intensa, a nuevas materialidades y a una mirada que ya no contempla el sur desde la distancia, sino que lo habita desde adentro. Con dolor, con deseo, con memoria. Dejamos de mirar el territorio para ser parte de él, incluso cuando duele. Pero también con la alegría de seguir creando y diciendo desde este lugar.
Las temáticas que cruzan las obras son tan urgentes como necesarias: salud mental, ambiente, recursos naturales, prostitución, marginalidad, identidad y diversidad de género. Cada artista, desde su propio lenguaje, propone mirar de frente aquello que suele esconderse. Lo hacen desde prácticas situadas, jóvenes, rebeldes, que interpelan sin pedir permiso.
Pulso Creativo: una experiencia colectiva
Pulso Creativo no es solo una exposición, sino el resultado de un proceso de formación y acompañamiento artístico impulsado por la Secretaría de Cultura de Santa Cruz.
Durante un mes, 15 artistas emergentes trabajaron junto a la curadora Patricia Viel en clínicas, intercambios y espacios de producción colectiva. El eje fue la comunalidad: pensar y crear desde el “nosotros” antes que desde el “yo”. También lo decolonial: cuestionar las normas estéticas dominantes, rescatar saberes locales y construir una nueva centralidad desde los márgenes.
“La comunalidad no es solo una forma de trabajar, es una manera de estar en el mundo. El arte como gesto colectivo, como acción política, como acto de cuidado”, afirma Patricia Viel.
Esa visión curatorial atraviesa toda la muestra y se traduce en una lectura coral: un mapa sensible de lo que somos, lo que nos duele y lo que deseamos transformar.
La curaduría de Patricia Viel: tejer desde lo común
La curadora Patricia Viel no solo acompañó el proceso de Pulso Creativo: lo habitó. Durante semanas, trabajó junto a los 15 artistas, coordinando talleres, guiando reflexiones y sosteniendo espacios de escucha y construcción conjunta. Su rol fue el de una mediadora atenta, capaz de transformar búsquedas individuales en un relato compartido.
“La comunalidad no es solo una metodología, es una forma de existencia”, sostiene Viel.
Lo que se ve en sala no es una suma de obras, sino una conversación entre ellas. Cada pieza dialoga, se complementa, se tensa, se sostiene.
Desde esa mirada, la curaduría fue más que una selección: una red tejida entre voces, materiales, territorios y afectos.
El concepto de comunalidad —inspirado en reflexiones de comunidades originarias mexicanas y resignificado desde la Patagonia— se convirtió en brújula del proceso creativo, apostando por el “nosotros” sobre el “yo”.
A la vez, las prácticas decoloniales funcionaron como un llamado a repensar los cánones, rescatar saberes propios y mirar desde el margen.
“Lo decolonial no es solo una crítica al eurocentrismo, sino una forma de volver a mirar lo que nos rodea, lo que nos conforma, lo que nos da fuerza”, afirma Viel.
Cuando el arte habla desde adentro
Las obras de Pulso Creativo no se muestran: se confiesan, se rebelan, se abrazan. Cada trazo, cada objeto, cada intervención contiene una voz que se anima a decir. Desde la salud mental hasta la identidad, desde el deseo hasta el territorio, los artistas construyen una narrativa común que convierte el dolor en potencia y la memoria en posibilidad.
Hay trabajos que evocan los vínculos frágiles y afectivos, como los “lazos débiles” de Camila Herrera, que transforma recuerdos en pequeños relicarios visuales. Otros indagan en la angustia y el encierro: Joel Lenis lo resume así —“El comienzo de la salida es poder hablar”—, mientras Sol Lalanne resignifica prospectos de medicación psiquiátrica en una instalación que interpela desde lo íntimo y lo social.
Briza Gómez, por su parte, aborda la prostitución en Río Gallegos con una mirada tan crítica como poética: “Me interesa generar incomodidad, algo que te deje pensando”, confiesa.
La identidad atraviesa toda la muestra como un pulso constante. Gabriel Macede combina reciclaje textil y moda sustentable con su experiencia como artista queer santacruceño:
“Mi obra habla de ir contra el viento, de rebelarme”.
Esa rebeldía se convierte en forma, color y manifiesto. Señor Corcho y Azul Devincente también exploran los límites del cuerpo, el deseo y la representación, desde lo performático, lo digital y lo autobiográfico.
El territorio, lejos de ser paisaje, se convierte en protagonista. Nazarena Almonacid retrata animales patagónicos en crisis ambiental y Malena Ruiz transforma el barro en memoria ancestral.
“Santa Cruz es una provincia rebelde”, dice Gabriel, y esa frase resume el espíritu de toda la muestra.
Hay quienes eligen lo mínimo —una acuarela, un retazo, un gesto— y quienes exploran la instalación o el videoarte. Pero todas las obras, en su diversidad, laten con una misma idea: que el arte es un espacio para pensar lo que nos atraviesa, para compartirlo, para transformarlo.
Que no estamos solos. Que hay comunidad. Que hay futuro.